ローリーの境界を打ち破る記念碑的な絵画

サラ・ケインは、現代美術館で開催中の個展「The Imaginary Architecture of Love」に先立つ一週間の絵の練習について、「これはほとんどの人がやらないような、まったく非常識な仕事のやり方です」と説明する。ノースカロライナ州ローリー。ロサンゼルスを拠点とするアーティスト、ケインは、キャンバスの境界を超えた記念碑的で時間的な絵画を制作することで知られており、今回の最新の展覧会では、ケインはこれまでで最大のプロジェクトに取り組んでいます。週。

「（展覧会は）大まかに言えば、人間関係と、物事がどのように見えるべきかについて私たちが脳内で構築する構造についてのものです。」しかし、彼女はこう言います。「何が起こるかは、実際に起こるまでは決して分かりません。」彼女の仕事は、人間関係と同じように、時間と空間、その瞬間に彼女がどのように感じ、反応するかに依存します。それは、彼女の仕事を複雑にする予期せぬ驚きを伴うものではあるが（現場訪問時に覚えていた場所に窓がなかったときや、ギャラリースペースに湾曲した壁が追加されたときなど）、彼女の実践にとって極めて重要な即時性である。だけでなく、彼女の絵画に現在的な特質を与え、多くの賞賛を集めています。

私たちはアーティストに、ローリーへの旅行を準備する際の型破りな実践と、これまでで最大規模の現場での作品の制作について話を聞きました。

空間内の作品の概念化はどのようにして始めますか?
まず写真をお願いして、直接行けるのであれば、現場を訪問してメモを取り、自分でたくさんの写真を撮ります。昨日、私のアシスタントが私にスカイプを送ってきて、そこに行ったのですが、私の頭の中ではギャラリーの後ろにあると思っていたアーチ型の窓が 1 つありましたが、完全に前にありました。いつも驚きがあります。いくつかの窓が板で塞​​がれており、景色が何であるかわかりませんでした。昨日、私のアシスタントがその意見を私に送ってくれました。それはおそらく最終的に作品に反映されることになるので、とても興奮しました。それから、わずか 6 か月か 1 年で、どんなに長くても、考えてメモを作成するこの奇妙なプロジェクトですが、最終的には変更されることが多いです。それは内部対話の長いプロセスです。実際には、インストール時に何が起こるかが重要です。

このインストールには 2 週間かかります。絵がどのようなものになるかはまったくわかりませんが、基本的な部分は理解できます。壁と床を準備して、絵が床に傾斜するように準備しているので、それを行う場所を地図に描く必要がありました。つまり、構成の境界はわかっていますが、その中に何が入っているのかはよくわかりません。時々私はいくつかのオブジェクトを知っています。私がベンチをよく取り入れているので、マットレスをたくさん買ってもらっています。つまり、絵画は 3 つの巨大な壁を囲み、真ん中にはマットレスがあり、巨大な絵画の中に横たわることができます。

この作品のビジュアルを採用したきっかけは何ですか？
直感的ですが、視覚的にも視覚的に収集します。私はまずペイントのベースを選択し、私は家庭用ペイントと水性ペイントを使用するため、チップ番号を送ります。それで、私は彼らに備品リストを送りますが、時々、私がそこにいるときに、その空間がどのような感じであるかに基づいて間違った色をすべて購入したことに気づくことがあります。または、窓を外して窓の後ろに何があるかを見たときに、パレットを完全に変えることができます。

番組のタイトルはどうやって決めたんですか？
事前にそれを選ばなければならなかったのですが、それは友人の歌からのものでした。だから、私は自分の個人的な生活や世界から何かを集めて、それらが私の周りのすべてのものと混ざり合って、この新しいものを作ります。

作品のタイトルと、あなたが描いている体験がどのように結びつくと思いますか？
それがこの壮大で吸い込まれるような絵になることはわかっていますし、人々が横になってくつろいでこの絵を見ることができる場所があることもわかっています。それは大まかに言うと、人間関係と、物事がどのように見えるべきかについて私たちが脳内で構築する構造についてであり、物事がどのように見えるかは、それが起こるまで実際には決して分からないということです。これが現場で働くプロセス全体です。つまり、自分が何をしているのかを知るというコントロールを放棄することです。私は、計画はできないという信念体系に基づいて制作するタイプの画家です。あなたが絵を見せるのではなく、絵があなたを見せます。そして、それがどのように見えるべきかを知っているとしても、それはそれほど面白くありません。それは発見についてです。

プロジェクトがすべて現場で作成される場合、事前にどのように計画を立てたり、プロジェクトを予測したりするのでしょうか?
アイデアがたくさんあるので、すぐに浮かんでしまいます。しかしつい昨日、私のアシスタントがギャラリーからの眺めのスナップショットを撮ったのですが、美術館と平行にある壁が青と黒の幾何学模様で完全に落書きされていました。窓からそれを持ち込むというアイデアが気に入りました。私は何でも描くことができるので、それを持ち込んで一瞬模倣し、その後それを私の絵に粉々にすることができます。時々そういうことが起こります。

このプロセスは非常に実践的で、私は 18 時間四つん這いで歩き回りました。そのため、これは非常に強い不安を伴う物理的な状況であり、ほとんどの人が自分自身を経験するとは思いません。しかし、それは、中に入ると本当にそこにいるというこの超即時的な感覚を得るのに芸術を与えます。

自分の作品の一時性とどのように向き合っていますか？
それは意識的な選択です。私はスタジオで仕事をしていて、物を作ったり、絵を描いたりして生活しています。現場での作品は、商業性を抑制するパンクなエッジが私の作品に反映されており、そのおかげで私は常に気を引き締めてプロセスに創意工夫を凝らすことができます。それはこの緊急性を持っています—つまり、私はオブジェクトに対して非常に自覚的で批判的であり、それらがより大きな対話と理由に何かを貢献していることを確認しているので、とにかく私の絵画にはこの緊急性があると確信していますが、私は受け入れます現場での作品のはかない性質。それらがどれほど儚いものであるかについての唯一の残念な点は、絵を描いているとき、私が感情的にも肉体的にもその中に没頭しすぎて、作業から離れるまでは作品の中で何が起こっているのかさえ理解できないことがあるということです。

この形式の絵画を初めて始めたのはいつですか?
1990年代の終わりのことでした。これはこれまでで最大の作品です。私はロンドンに9,000平方フィートのスペースを作り、6つの異なる作品を作りました。そして、私はテキサス州マーファに土地付きのクールなフリーメーソンの寺院を作りました。それはおそらく3,000平方フィートでしたが、そこでも5つの作品を作りました。本格的に集中して 1 つの壮大な絵を描くのはこれが初めてです。

この種の作品を作る上で影響を受けたアーティストはいますか?
私は他のアーティストのことをあまり考えていませんが、MASS MoCA のサッカースタジアムほどの大きさのギャラリーでロバート・ラウシェンバーグの巨大な絵を見たときの記憶はあります。全体を包み込むようなラウシェンバーグの作品で幕を開けた。だから、美術史や背景について考えるとき、それが私の頭の中にあります。20歳のときにそれを見て、「ああ、すごい」と思ったのを覚えています。これくらい大きな絵を描きたいと思っています。」これはそれほど大きくありませんが（おそらく半分のサイズです）、次はそのギャラリーを作りたいと思っています。

「愛の想像上の建築」は、2016 年 1 月 3 日まで CAM ローリーで展示されています。